2つのお茶の水

学生時代から描くという事についてよく考えさせられた。学校に入る為にひたすら描写するカリキュラムをこなすなかで、描写ではないところに心のようなものが反映されるのではないかなどと考えるようになった。
学校を出てから、仕事で今のCGの代わりのようなリアルなイラストを描く中で、さらに描くという事について、心と表現の関係について考えさせられた。そして、写真と絵画の違いについても同時に考えるようになった。

「流れる」は、スケッチをもとに描いたもので、「ユリシーズ」は、当時試み始めた、コピーコラージュの手法を使っている。写真を拡大コピーして画面にコラージュした上に日本画の画材で彩色したもの。

この頃、奥行きや明暗、何がそこに描いてあるかということは説明に他ならず、「情感＝色彩」という考え方を持っていた。その現れが、この２つのお茶の水の絵を試みるきっかけとなった。

都市という名の自然

野や山が身近にあるところで育った私にとっての自然は、足の下に土があることであり、生きていく場そのものであった。

東京で生活するようになり、足の下が土ではなく、足の下でも人が生活しているという環境に馴染めず、違和感を感じていた。
でも、そんな東京で育った人にとって自ずから(おのずから)然る(しかる)場所とは、都市なのであろうとふと思った。

違和感を感じることは、他の人との差異であったりもする。自分を知る上で必要なことなのだと思った。

思い

テレビで知った阪神の震災と自分の目の前の平安。そのギャップの大きさに、遠い震災が最初は現実のものと思えなかった。
その頃住んでいた東池袋で、毎日駅に向かう為に歩いていた高架下で考えた。
現実と絵について、
そんな時に、高架下のシリーズは生まれた。実際にはこれは六本木の高架下。

水面に映ずるもの

「川は何でも教えてくれる。」
ヘッセの小説「シッダールタ」のそんな一言から、
私の水を巡る思索は始まった。
何を描いても空ごと、
手を動かせば像はあらわれるが、
実感がもてなかった私は、
「シッダールタ」の
渡し守の老人の発したその言葉に
縋るように、川、池、湖、水路、など
川に限らず様々な水場を巡り、
水面に現れては消えていく
絶えまない像を見つめ、
そこに感じるものを探った。
表面に映ずる像は
絶えず移り変わり不確かなモノだが、
そこに確かに存在する。
水面は様々なものを映じ、
静かに心に波及し浸透する。
みずは表面的なイメージの源泉であるだけでなく、
人の奥底に潜む何かをも呼び起こす
触媒のようなものではないかと、
次第に感じ始めた。
心に浸透した像を、
身体の動きと岩絵具の痕跡的な色彩で、
書の筆蝕のごとく
手探りの実感を重ねて表せていけたら、
さらに深く踏み込めるかもしれない、、
今暫く描き続けて行こう、

−水を巡る思索―

線について

昔の武将の書やサイ・トゥオンブリ、ブライス・マーデンの線表現から端を発し、村上華岳の木の線描や横山大観の「或る日の太平洋」のように線によっての表現の理解も影響し、色だけでなく、線それ自体が生命を得たように伸びてゆく自由闊達な線に魅力を感じ始めていたが、６月の個展であった大きな出会いが、その頃山の近くに居を移そうかと思っていた私の生活の場がより都市部へと移るきっかけとなった、同時に身体性をともなうというころもあって、線に対する興味に拍車がかかる事となった。

山水考

技でもなく物でもなく、
まして簡単に
個性と呼べるものでもなく、
そんな表現と言えるかどうか
分からない現れの中に、
私の表すべき
全てのものは存在する。
有るか無いか、
言葉で二分するまでもなく
そこにあるもの、
そんな存在を現代の人は
忘れてしまっているんではなかろうか。
そんな存在のかけらを
室町時代に禅僧、雪舟によって描かれた
「破墨山水図」に垣間見た気がした。
忘れ去ってしまった何かを
取り戻す為に
描き続けなければならない
そんな思いでいっぱいになった。

筆触

一筆により多くを盛り込もうという思いが次第に強くなっていった。

そんな思いの変化は、生活の変化から来たように思う。新たな家族が生まれた事によって、絵に向かう時間があまり取れなくなった事が大きく関わっていた。

絵に向かう時間が取れないのであれば、その短い時間の中で最大限の何かを表せば良いのではないか。絵に向かっていない時の時間を大切にしよう。

絵を思う事を充実させれば、実際に絵に向かった時にその思いを爆発させることが出来るのではないか……そんな事をあの頃は考えていたように思う。

素材の力

書のごとく、手数を減らして一筆に集中していく。そんな表現を求めた事によって、紙自体が露出する面積が広くなった。

夢中で求めている時は気がつかなかったが、ふと振り返ると、紙が明るく美しいものに思えて来た。
そんななかで、更に紙の持つ明るさを活かし、そして日本画の岩絵具特有の素材感をもっと活かしていけたらと思った。

innerscape

制作はその人の生を表していなければならない。
子供が生まれた一昨年から絵の前にいる時間が減った。
それを機にさまざまな事を考え、
色彩を抑えてシンプルに表す表現を始めた。
それは一筆一筆に緊張を生んだ。
同時に、私のうちなる風景、
そこにすべてを写し取れた時に
私の表そうとすることは終わるだろうと感じた。
だが、私の子どもは
私の育った森をまだ見ていない、
私の体感した海をまだ体験していない。
まだ私自身のうちに
子供に考えてほしいことは沢山ある。
まだまだ私のうちなる風景を
表す試みは終われない。
すべてが一枚にやどるまで
描き続けなければ、そう思った。

瞑想

注意深く目をそらすこと、
ある尊敬する詩人の口から現れたことばが
頭から離れない。
今まで画面と対峙し見えるものに拘って来たが、
見えるところ以上の何かを表すには、
あえて目を向けず、
注意深く五感を傾け問う必要があるのではないかと
最近より強く感じ始めた。
モノに溢れる今こそ目を閉じて瞑想するように
己のうちなるものと対峙し、
目の前にないものを感じて心にとめて、
霧の向こうの微かな
光の音を聞く。

素材との共同制作

素材を活かすことに気持ちが進むと、そんな素材の１つとして、膠や水もある事に気がついた。
膠は、絵具を紙の上に定着させる為の接着剤であるが、箪笥やバイオリン等、木で作られたものを接着するのにも使われている。
バイオリン等では、膠の持つお湯で溶ける性質を利用して修理に役立てている。
それをヒントにお湯を使って描くという試みをしてみたくなった。

かみのむこうに

昔、紙は空であり宇宙であったように思う。
今、私は何を選ぶだろうか？
何を空に、何を宇宙にするのだろうか？
紙から離れて、現れるもの。
私の求めは描くものだろうか？
それとも描くことだろうか？
私はずっと白い紙に対峙して
浮かび来るものを描きとめてきた。
対峙し制作するなかで、
透明な支持体に描いてみたいという欲求が
時々沸き起こり、
それが次第に強くなってきた。
紙から離れて、窓のように透明な板を茫漠と見つめて、
そこに浮かび上がってくるものを描いたら、
そこから何が見えるだろうか？
あるべきようわ、
私の求める答えの一つが
そこに見えてくるのかもしれない。

透明な屏風

最初は、会場にランダムに立て、子どもの頃に憧れた、空に絵を描きたいという思いを叶えるつもりだった。
ところが、アクリル板が家に届いた直後に震災にみまわれた。そして強度を考え屏風にしたてることにした。

むこうのひかり

物質で溢れ、
時間に追われる都市での生活。
都市での日々は、
合理化という名のもとに、
言葉にならない何かを忘れさせていく。
自然とともに生きていた頃の私たちがもっていた、
ささやかな感覚に満ちた、
大切な何かを。
言葉にならないそのようなものを、
私たちを取り巻く自然（環境）や、
人の心の奥底から、
再び呼び覚ますこと。
今、私たちには、
それが求められていると考えている。
だから、私は心に留めている。
インパクトやバランス、
真新しさや個性を求めるではなく、
人の心に静かに浸透していく表現を求めること。
そして、岩絵具を膠という接着剤で溶いて
水の中に解放すること。
そんなベーシックでシンプルな、
風土に馴染んだ表現の中から、
消えてしまったものが再び現れる。

絵の中のひかり

画面の向こうに見える光が気になり始めたら、絵画のなかの光の表現についても考えるようになった。
西洋的な表現のなかでは、かなり早くから光と影の織りなす世界が描かれているが、日本ではどうなのか、実際西洋のような光の表現は西洋のものが入ってくるまではなされていなかったように思う。では、日本、或は東洋での光とはなんなのだろうかそんなことも気になるようになって来た。

天上に差す光

一昨年、合唱団で
フォーレの「レクイエム」を歌った時のことだ。
指導の先生から
「ここは天上にさす光のような響きをください」と
言われ、みんなで声を合わせ目指した。
練習場で何度も繰り返し練習しているうちに、
響きが少し美しいものに変わってきた。
その瞬間、響きの残る教会の天井に
少し光がさしてきた気がした。
「天上にさす光のような響き」のイメージを
絵で表せたら、
そんな思いが生まれた。
それ以前も、絵を描く上で、
光はいつも注意を払う対象ではあったが、
そのものに目を向けることはなかった。
まずは身近なところからと、
雲の間からさす光や、木漏れ日など
目についた光をみつめた。
それは、あの光ではないように思えた。
それでは、どこに？
もしかしたら私の探し求める光は、
うちにさすものなのかもしれない。
今まで求め表してきた表現から
色彩をなくし、黒地に白で描く方法で模索を始めた。

視覚は人の五感の中でもとりわけ
大きなウェイトを占める感覚だ。
そんな視覚があろうとなかろうと現実はそこにある。
見えないが、確かにそこにある。
光もそうだ。
視覚の有無に関係なく感じられる光。
ここ数年、私が追っている「天上に差す光」、
あるいは「天上に差す光のような響き」は、
そのような光ではないかと……。

めざすひかり

それは、単なる光学的な光ではない、そんな思いがある。「天上にさす光のような響き」のイメージは、目にではなく、心にさしてくる光でなくてはならない。
昨年、ギャラリーなつかの個展で、足利市立美術館の篠原誠司氏と対談をした。話の流れで、それまでの私の思考の範疇になかった光のニュアンスがでてきた。
ひかりひかりと光ばかりを頭において私は制作してきたが、実は、そのヒントは、「響き」の方にあるのでは……と。もしかしたら、めざす光は、心に響くひかりかもしれない。